c) La Foto del Carnaval:

La dirección provincial de Cultura convoca a un concurso por los festejos por el 484 Aniversario de la Fundación de La Habana:
- Podrán participar fotógrafos profesionales que residan en Ciudad de La Habana.
- Puede presentarse una sola foto o una trilogía que reflejen una actividad.
- Un jurado especializado otorgará tres PREMIOS
- El fallo es inapelable
- Los premios se darán a conocer en una actividad posterior a la terminación del Carnaval
- Las fotos deben presentarse el 20 de noviembre en la Fototeca de Cuba:
Mercaderes No. 307 entre Muralla y Teniente Rey.

Momentos de Ruptura: funciones de la fotografía en Cuba

por Mabel Llevat Soy (Especialista de la Fototeca de Cuba)

"Las imágenes fotográficas no parecen ser interpretaciones del mundo
tanto como piezas de él, miniaturas de la realidad que todo el mundo
puede hacer o adquirir".
Susan Sontag (Crítica de Arte, francesa)

En este texto nos proponemos indagar en los momentos en que la fotografía cubana ha experimentado revoluciones o rupturas, logrando una variación de sus funciones y habitus tradicionales. Es muy interesante este devenir de la fotografía y observar estos cambios en la historia, puesto que la fotografía se vincula peculiarmente con la vida y ha adquirido funciones muy encasilladas dentro de la estructura social.

En su teoría sobre el campo artístico, el teórico estructuralista francés Pierre Bourdieu dedicó una atención especial a la fotografía por el hecho de ser una técnica de interés masivo creciente que rompía con la jerarquía tradicional de las técnicas artísticas y sufría por lo tanto de una discriminación de género al considerarse fuera de las prácticas legitimadas.

A partir de la industrialización de la tecnología fotográfica en la que ya no se necesitaba ser un profesional en la materia para utilizar la técnica, nos encontramos con la subversión del principio del genio que domina toda la historia del arte: el fotógrafo no tenía que ser una persona poseedora de un don especial, cualquiera que aprendiera los rudimentos técnicos podía realizar el acto de fotografiar e incluso convertirse en aficionado. Es esta industrialización la que provee de usos sociales a las operaciones del fotógrafo. La fotografía viene a imbricarse con la vida cumpliendo diversas funciones como registrar eventos familiares o sociales de importancia, documentar eventos históricos, hallazgos científicos, realizar reportes de guerra, retratar paisajes o escenas que ya tenían una belleza en sí - a partir de esto la consideración de la fotografía como una herramienta para captar algo estéticamente considerado como bello y no otorgarle muchas veces la autonomía suficiente como práctica productora de imágenes artísticas por si misma-

Desde la aparición de la fotografía en Cuba la vemos adquirir las mismas funciones tradicionales que ya tenía en otras partes del globo: la producción del retrato, que toma de la pintura toda su carga de jerarquización social, desde el estudio fotográfico con imágenes que se congelan en poses como un vocabulario estudiado de aspiraciones y frases hechas, hasta la revista que publicita standards de vida, patrones de belleza o jerarquías sociales.

El retrato de acontecimientos sociales se produjo en Cuba desde las tomas que José Gómez de la Carrera hiciera de la Guerra de Independencia. No hay que olvidar tampoco su uso como herramienta de vigilancia y control social desde esa época hasta nuestros días, o de protesta por los males sociales –motivo que provocara el nacimiento del ensayo de Walker Evans en los años 30 durante el gobierno de Machado – Las fotografías que se tomaron durante las luchas contra Batista tenían un objetivo político, que el pueblo tomara conciencia de un enemigo derrotado en el ataque al cuartel Moncada, así como sirvieron también de evidencia de las torturas que habían sufrido los asaltantes, y en todo caso, de un material en imágenes que quedaría para la historia.

Todo lo cual nos hace recordar el ensayo sobre la fotografía de Susan Sontag en el que afirma que “La fotografía provee de evidencia. Cualquier cosa que escuchamos, pero dudamos, parece ser probado por la imagen fotográfica. En una versión de su utilidad, la cámara registra a incriminados. Comenzando con este uso que le diera la policía de París en junio de 1871, las fotografías se convirtieron en una útil herramienta de los estados modernos para la vigilancia y control de una cada vez más móvil población.”

El fotógrafo venezolano-italiano Paolo Gasparini nos lo recuerda también en un ensayo fotográfico en el que defiende la función de la fotografía como documento social, esa ideología del arte como herramienta redentora de la sociedad muy en boga en las décadas pasadas en el discurso artístico latinoamericano, que además pudiera aplicarse para toda la fotografía documental cubana de la década del sesenta que acompañaba los acontecimientos históricos y en fin, para toda la fotografía que retrata la miseria de los oprimidos o los logros de los movimientos sociales de izquierda.

Esta es igualmente la función de la fotografía que vemos en la década del sesenta en Cuba, al margen de las grandes industrias y agencias internacionales de la noticia; esta es la imagen de fotógrafos cubanos por antonomasia, que publicaban en periódicos cubanos con una factura muy life, con el uso de 35 milímetros, de la luz natural y la estética del fotorreportaje.

Otro de los usos que se destinó para la fotografía desde sus inicios fue su función artística, aun cuando subestimada, desde que se iniciara esta industrialización se comenzó a separar al que se hacía de una cámara para tomar fotos sociales y al que se adentraba en sus secretos para realizar una experimentación artística. Aun cuando – y la realidad cubana puede demostrarlo hasta nuestros días – muchos fotógrafos que han pasado a la historia de la fotografía cubana se ganaron la vida como lambieros . De esta manera, el mismo fotógrafo que trabajaba para un periódico, o que se enfrascaba en la experimentación artística, realizaba a la par el trabajo más rentable, como el pintor que hace paisajes para un mercado mas barato.

La fotografía cubana ha tratado de ser fragmentada, como mismo sucede en otras manifestaciones, en períodos y tendencias que engloban figuras, aun cuando esta estrategia no resulte muchas veces fiel a la realidad de los hechos. Hoy en día los historiadores hacen mucho hincapié en la existencia de una experimentación fotográfica desde el punto de vista formal y conceptual que estaba siendo realizada por fotógrafos como Mayito, Luc Chessex y Raúl Martínez, al margen de lo que nos indica la historia oficial de la fotografía por esos años que solo nos habla de la épica revolucionaria.

La función de la fotografía la vemos aquí como la de un elemento autónomo que a la par de la pintura es capaz de crear su propio mundo, de la misma manera que en la abstracción se deconstruye la realidad figurativa por el uso de una ficción ideada por el artista. No es casual que al menos Raúl Martínez y Mario García Joya estuvieran familiarizados con la abstracción.

Ha sido ampliamente debatido también el hecho de que la fotografía no cuente con ninguna academia que legitime su quehacer a niveles artísticos y reproduzca este saber, y es por esto que muchos de los fotógrafos han sido autodidactas y han aprendido la técnica con maestros a la manera de aprendices. La fotografía lee y relee mucho su propia historia - y su propia técnica - porque todo el tiempo trae al espectador sobre su propia tradición, como tratando de conservar sus valores de legitimación técnicos y estéticos.

Esto quiere decir que tanto para afirmar como para negar esa tradición, el fotógrafo conversa mucho con esta y siempre está buscando información sobre la técnica fotográfica, sobre los últimos descubrimientos en su campo y sobre instantáneas y fotógrafos famosos. En Cuba, al no existir una escuela, esto se ve en gran medida. La institucionalización de la fotografía en Cuba se ve con la fundación de la Fototeca en 1986, primer núcleo institucional de reunión donde, con la acción de Marucha, se empieza a pensar en una historia de la fotografía cubana.

Dentro de esta historia debe atenderse también a “pequeños” cambios formales que van desplazando la tradicional forma de englobar las cosas. El estilo que se utilizó en la revista Cuba durante la década del setenta nos llama hoy la atención por el tono desenfadado de documentar las actividades en la agricultura, donde las fotografías se tomaban en serie como siguiendo los movimientos del trabajador que no posaba arreglado, sino en total veracidad de la faena, para que los públicos de todo el mundo captaran la esencia inmediata y anticonsumista de la revolución cubana que rompía todos los clichés pretensiosos de las poses usualmente fotografiadas.

Otro enfoque sería utilizado por algunos fotógrafos que intentaron la experimentación con el uso del lente de ángulo ancho, muy usado por el fotógrafo Luc Chessex y tomado después por Iván Cañas y Alfredo Sarabia. A partir de aquí se va a acentuar una mirada muy lírica sobre la realidad que buscaba ambientes inquietantes y tormentosos, algo que sería como un romanticismo fotográfico a la cubana con momentos de verdadero surrealismo. En estas imágenes todos los elementos naturales serían recursos expresivos así como los seres humanos fotografiados que incorporaban cierta dosis de teatralidad; se hace evidente la preferencia por los niños, los ancianos o eventos insólitos y espectaculares como bodas en el campo, tormentas y aguaceros. Esta tendencia tuvo su máximo esplendor durante la década del ochenta y aún continúa con varios autores hasta nuestros días.

En estos mismos años, pero en sintonía con toda la experimentación que se produjo en las distintas esferas del arte, la fotografía se utilizaba mucho como documentación de performances, dada la cualidad efímera de muchas de las obras que se llevaban a cabo. Pero el cambio de funciones que aquí vemos responde también a un cambio de perspectiva muy importante que se produce en el campo artístico cubano y es que estos artistas que surgen en los ochenta no están hablando de fotografía, sino de una noción de arte contemporáneo que se sirve de todo tipo de técnica y procedimiento artístico, un pensamiento que se ubica en las aulas del ISA a partir de la primera mitad de la década del ochenta y que se va a mantener hasta el día de hoy.

Las funciones más importantes que vamos a ver en esta época, son las de documentación de performances como ya dijimos - pensamos especialmente en la obra inicial de Marta María Pérez- la construcción de set o escenografías que le hacían acometer una estética similar a la de la pintura - podemos pensar en la obra de Leandro Soto- o continuar con la función de documentación de la realidad, pero realizada desde un prisma mucho menos ingenuo que realiza una crítica política y social en pleno contexto histórico del proceso de rectificación de errores. Si bien en esa generación que comienza a escandalizar la escena artística habanera a partir de la expo Volumen I hablamos todo el tiempo de un arte muy apegado a las circunstancias sociales y contextuales en que se desenvolvían, y no a la autonomía o regodeo en esas formas estéticas, podemos ver que figuras como José Manuel Fors y Arturo Cuenca tienen un estilo mucho más filosófico que cuando aborda cuestiones políticas o sociales lo hace desde un prisma mas universal.

En el caso de las fotografías - instalaciones de Leandro Soto si vemos el intento de reflejar esa cotidianidad y acontecer, pero a través de la experimentación de nuevas formas que lo alejan de la clásica instantánea. Todos estos artistas están siempre centrados en una idea más general del arte a la que incorporan la fotografía como simple medio expresivo, no hay una conversación directa con la tradición fotográfica, sino con la historia del arte en general, que se encargan de subvertir.

Hoy en día los valores tradicionales legitimados se mantienen vigentes a través del mercado que los alza a la altura de “buen coleccionismo” como una manera de control de la calidad. La fotografía en blanco y negro se mantiene aún legitimada por su mejor aceptación en ese mercado, así como las obras de importantes autores que avala la historia de la fotografía.

En el caso de Cuba, el coleccionismo fotográfico se ha visto estrechamente ligado al acontecimiento social: la subida del valor de obras fotográficas realizadas en los momentos del triunfo revolucionario e imágenes de figuras célebres desde el punto de vista político.

En segundo lugar, se provoca un interés por una fotografía que maneja un lenguaje más contemporáneo, que logra ponerse en sintonía con intereses mercantiles y con una función de comercialización. Esto ha sido posible por un momento de explosión del mercado de la fotografía a nivel mundial, por sus buenos precios y porque esta de moda como imagen artística, pero también -en el caso Cuba- por la organización a nivel teórico y estético de una generación que se dio a conocer con la exposición El voluble rostro de la realidad, muy atractiva para el mercado por sus ideas subversivas y transgresoras y por la originalidad y actualidad de la estética que proponía. Con esta generación, la fotografía se despegaba del acontecimiento y lo cotidiano para darle autonomía a sus valores estéticos.

En la selección aparece un interés de transgresión de la tradición fotográfica y más específicamente la cubana, aún cuando cada fotógrafo fuera un mundo con distintas visiones de la fotografía. Juan Carlos Alom, René Peña, Carlos Garaicoa, Ramón Pacheco, Abigail González, José Manuel Fors y Manuel Piña son artistas a quienes agrupa la idea de actualizar la fotografía cubana dándole otra función. Ya desde hacía algún tiempo, el tono de los fotógrafos que captaban la cotidianidad cubana se volvía cada vez mas intimista y subjetivo, y pueden mencionarse los ensayos de Sarabia, Pacheco y Ney. La explosión de este espíritu se produjo en esta exposición a inicios de la década del noventa, en la que se hacía obvia la construcción de esta mirada como se componen los elementos de una pintura.

Ciudad, arquitectura, graffiti, se pusieron de moda con las fotografías de Carlos Garaicoa donde se hace evidente la función de retratar la escena de acción del poder político en slogans y frases que construían la imagen urbana a la par que el deterioro de una ciudad en aislamiento. A esto le siguen también las fotografías de una nueva generación de fotógrafos cubanos que experimentan con la técnica fotográfica y entablan un preciosismo técnico que va desde la abstracción, la fotografía color, la instalación, las formas caleidoscopicas, la experimentación con formatos pequeños en tamaño de diapositiva fotográfica, las cajas de luz, la fragmentación de la imagen, la fotografía digital, el vídeo y la impresión sobre diferentes soportes como el lienzo, que trabajan autores como Alfredo Ramos, Alejandro Gonzalez, Nelson y Liudmila, Alain Pino, Tessio Barba, Arles Iglesias, Alina Isabel y Glenda León, entre otros, casi todos artistas autodidactas que asumen este trabajo desde una fresca postura de tanteos y ensayos técnicos y conceptuales. Esta es una experimentación que forma casi una sensibilidad epocal pues vemos que “contamina” las obras de artistas consagrados como René Peña y Juan Carlos Alom.

Las exposiciones en que hemos podido observar las obras de estos artistas han sido los dos últimos salones de la Fototeca de Cuba y el Premio de Curaduría del III Salón de Arte Contemporáneo titulado El arte no es para entenderlo, que vino a funcionar como manifiesto de este espíritu generacional y en el que se mostró la abstracción como estilo al que se podía llegar a través de la improvisación, la documentación del acontecer y las marcas de la cotidianidad urbana y la experimentación formal que se tituló: la materia modificada por la función.

Gran número de artistas egresados de las escuelas del ISA trabajan hoy en día con la fotografía, pero no tratándola como medio a desarrollar únicamente, sino como otra herramienta de la que valerse para una poética particular, integrando comunmente la imagen fotográfica a instalaciones, enviroments y multimedia. Artistas tales como Tania Bruguera, Sandra Ramos, Luis Gómez, Ernesto Leal y el mismo Carlos Garaicoa se siguen inclinando por reflexiones sociológicas que se mueven en el lenguaje del arte contemporáneo.

Hoy en día casi podría decirse que la transgresión se ha convertido en modelo, mientras que hablar de la fotografía turística de las calles cubanas es casi un género fotográfico en si mismo, teniendo en cuenta la cantidad de personas que vienen a Cuba por ese motivo. Podría hablarse de una función turística de la fotografía actual, secundada por muchos fotógrafos cubanos que retratan de manera tradicional y pintoresca la vida en las calles y campos cubanos.

Repasando todas estas funciones sociales, artísticas, mercantiles, turísticas podemos ir conformando una historia de la fotografía en Cuba en la que se estructuran mejor las prácticas y habitus que le van otorgando determinados lugares de vanguardia o más conservadores, de funciones mas o menos activas socialmente que coexisten o se separan en el tiempo.

c) MERCADO AUDIOVISUAL BRUSELAS 2003:

Se convoca a las productoras, distribuidoras, empresas de postproducción y cadenas de televisión colombianas a participar en el mercado audiovisual a realizarse del 12 al 14 de noviembre que se desarrollará dentro del marco del XI Festival Cines de España y América Latina de Bruselas.

El objetivo es estimular, facilitar y promover alianzas estratégicas entre empresas audiovisuales europeas, de América Latina y del Caribe.

Incluye también un Apartado Documental cuyo interés es fomentar la compra de documentales por parte de cadenas de televisión europeas. www.intercommunication.be

d) II BERLINALE TALENT CAMPUS:

En este evento alemán se realizará un programa de seis días y se desarrollarán los temas esenciales de la realización cinematográfica: los últimos desarrollos técnicos, los instrumentos creativos, las tendencias estilísticas, los mercados del futuro, las perspectivas filosóficas, el sonido, la música, la preproducción, producción, post-producción y promoción.

Los argentinos pueden apreciar desde el 15 de octubre fotografías captadas por el escritor mexicano Juan Rulfo y debatir, en este particular caso, sobre la validez de aquel antiguo axioma de que una imagen equivale a mil palabras. Pero una discusión respecto de la supremacía de la imagen sobre la palabra puede resultar estéril, porque en esas 80 placas en blanco y negro que se exhiben en el Museo de Arte Hispanoamericano "Isaac Fernández Blanco", de Buenos Aires, el escritor supo plasmar un universo cercano al que registró en su literatura.

La muestra "Juan Rulfo fotógrafo", inaugurada por autoridades locales y por la embajadora de México en Argentina, María del Rosario Green Macías, constituye, en definitiva, un fiel retrato de los personajes y parajes del México que el escritor pintó en sus relatos. Aunque las fotografías sólo tienen un escueto título, sin referencia de lugar y fecha en que fueron tomadas, la exposición permite percibir el ojo crítico y profundo con que el escritor caminó por su país, cámara en mano, para retratar hombres, mujeres y niños inmersos -o atrapados- en la desolación de áridos paisajes.

A Rulfo, nacido en 1918 en Sayula, en el estado de Jalisco, cuando aún no se habían apagado los ecos de las revueltas campesinas, le bastaron dos obras para marcar un hito en la historia de la literatura latinoamericana: el libro de cuentos "El llano en llamas" (1953) y la novela "Pedro Páramo" (1955). En la exposición, que desde hace 15 años recorre el mundo con el auspicio del Gobierno de México y de la Fundación Rulfo, se puede apreciar además que la pasión del escritor por la fotografía no fue un pasatiempo, sino una forma más de retratar los extremos olvidados de su tierra y de su gente.

Las primeras imágenes datan de 1956, un año después de publicar su primera y única novela, cuando hizo por encargo un trabajo fotográfico sobre el ferrocarril que une Nonoalco con Tlatelolco, y las últimas, hasta completar un archivo de unos seis mil negativos, fueron tomadas en 1986, poco antes de su muerte. Estudiante frustrado de Derecho y de Filosofía, Rulfo comenzó su carrera literaria con la publicación en 1942 de cuentos breves en la revista "Pan", de Guadalajara, algunos de los cuales reuniría luego en el libro "El llano en llamas".

Tras la primera edición de "Pedro Páramo", que le valió un lugar de privilegio en la literatura latinoamericana y años más tarde el codiciado premio "Príncipe de Asturias", se dedicó a escribir guiones de películas y a la fotografía. Así como en su narrativa describió con un estilo vigoroso y poético una cotidiana realidad a la vez violenta y lírica, sus fotografías representan una verdadera ventana para asomarse a un México de desigualdades y pobrezas. Rulfo fue el único escritor que "ha dado una imagen, no una descripción, de nuestro paisaje", según las palabras del poeta, ensayista y dramaturgo mexicano Octavio Paz (1914-1998) al saludar la aparición de "Pedro Páramo", conceptos que recobran validez con la muestra fotográfica que permanecerá en Buenos Aires hasta el 30 de noviembre. El escenario elegido para esta exposición cuadra perfectamente, ya que el museo estatal "Issac Fernández Blanco", uno de los más importantes de Argentina y del continente por su acervo de arte iberoamericano, está emplazado en un edificio que responde a la concepción arquitectónica hispánica colonial, típica del México que vio nacer a Rulfo.

NOTICIAS QUE LLEGAN DE ESPAÑA

Compilado por Ramón Cabrales
(colaboración de Jorge Rodríguez del Álamo y Mónica Rebollar, directamente desde Madrid).

a) FAIM 2003. Feria de Arte independiente de Madrid:

del 16 al 19 de octubre se llevó a cabo la cuarta edición de la Feria de Arte Independiente de Madrid (FAIM) que apostó en esta ocasión por las nuevas tecnologías: arte digital, net.art, fotografía, videoarte, instalaciones, infografía y proyecciones. Además, se exhibieron también, las disciplinas de siempre: pintura, dibujo, obra gráfica y escultura. Dentro de este contexto es de destacar la presencia de numerosas proyecciones de fotografía llevadas a cabo por expertos profesionales. FIAM tuvo lugar en el Pabellón de Convenciones del Recinto Ferial Casa de Campo de Madrid.

En esta ocasión la Feria contó con la aportación de la Feria de Arte Independiente NonStop, en la que hubo un interesante apartado dedicado al video art, además de la celebración de conferencias, coloquio, mesas redondas, debates y otros actos paralelos. En esta ocasión el país invitado fue Portugal. Marta Lueje, directora de FAIM, opinó que “ la fotografía es una disciplina que va a más, aunque en nuestro país el coleccionismo de fotografía no está tan avanzado como en Estados Unidos, Francia o Alemania; cada vez son más los que se interesan”.

Fuente: Ubicarte, 20 de octubre de 2003,
www.ubicarte.com

desde el 29 de octubre, al 5 de diciembre próximos, La Fábrica Galería mostrará un conjunto de acrílicos de gran formato de Santiago Ydañez (Jaén, 1969), junto a las primeras fotografías en blanco y negro, que el artista ilumina con acuarelas, tratándolas como si de una obra sobre papel se tratara, obteniendo un resultado estrictamente fotográfico. Estas obras se caracterizan por su expresionismo.

En esta nueva serie, Ydañez incorpora el color rojo a su gama habitual (blanco, negro y grises) y lo hace siempre, según sus propias palabras, explorando "el tema de la mirada". Con claras reminiscencias a la pintura figurativa y a la propia fotografía, el autor mantiene sus característicos primerísimos planos frontales de rostros dislocados y angustiosos, que plantean al espectador una cierta ambigüedad de sentimientos. Al crear estos rostros, Ydáñez consigue mezclar el placer de la representación, con el deseo evidente de plantear cuestiones sobre el conflictivo espacio de la identidad. Las "caras" de Ydañez se podrían enmarcar en la estética del neobarroco, donde el concepto deviene narrativo y el sujeto, foco de enunciación. En cierto modo, este barroquismo es una teatralización de la existencia, pero está mucho más cerca del expresionismo y, dentro de este, del lenguaje cinematográfico.